Escrito por Athaires el 22/01/09
La época dorada del Heavy Metal comienza precisamente con grupos como el que os voy a comentar aquí. Se trata de nada más y nada menos de la banda de Saxon que fueron en 1977 uno de los primeros líderes de la New Wave Of British Heavy Metal junto a Iron Maiden, Judas Priest, Tank, Angel Witch, Samson, Cloven Hoof, Demon-Diamond Head-, Quartz, Tygers Of Pan Tang, Venom, Girlschool, Holocaust, Praying Mantis, White Spirit, Motörhead, Battleaxe, Witchfinder General o Raven entre otros.
Todos los seguidores de esta música han identificado a esta corriente como la que imprime un estilo muy característico en sus riff de guitarras con ganas de rockear duro y alto y ritmos muy rápidos cuyo nacimiento se restringe a la clase obrera de la Gran Bretaña de finales de los setenta. Recordemos que los pantalones vaqueros se inventaron precisamente para que esa gente obrera tuviese una ropa más resistente y esta fue adoptada por los seguidores de esta corriente. Incluso por entonces había un barco que viajaba de E.E.U.U. a Asia donde se confeccionaban los pantalones y así evitar pagar tantos impuestos, establecimientos y mano de obra barata, pero eso ya forma parte de la historia de los pantalones Levis.
Otra de las características de la forma de vestir de la New Wave Of British Heavy Metal es la ropa de cuero, las motos custom, las cadenas, pañoletas, camisetas negras de los grupos, imágenes satánicas… En definitiva la NWOBHM fue algo más que un estilo musical, fue una forma de vivir, una forma de pensar una corriente que duró muy poco y que dio paso al Heavy Metal y Hard Rock de los años ochenta e incluso principios de los noventa.
Desde Yorkshire un vigoroso Peter Biff Byford y el guitarrista Paul Quinn siguen manteniendo esa vieja formación de Saxon que un día nació con el nombre de Son of a Bitch y que dio salto a la fama tras su primer disco llamado igual que el nombre del grupo en 1979 y tras su gira con Motörhead. Los primeros fueron este cantante dotado de un particular timbre de voz y los guitarristas Paul Quinn y Graham Oliver además del bajista Steve Dawson y el batería Pete Gill. Actualmente estos tres últimos fueron sustituidos por Doug Scarratt, Nigel Glockler y Nibbs Carter.
Para finalizar hacemos referencia al nuevo disco de la banda sacado en Enero del presente año, Into the Labyrinth, y aprovecho para comentaros la gira española:
27.02.2009 Bilbao “Rockstar Live”
28.02.2009 Madrid “La Riviera”
01.03.2009 Barcelona “Razzmatazz”
Este disco de 1995 está a la voz: Biff Byford; Una Guitarra: Paul Quinn; Otra Guitarra: Graham Oliver; Al bajo: Nibbs Carter y a la batería: Nigel Glockler.
Las canciones que lo componen:
-Dogs of war (4:36)
Byford/Quinn/Oliver/Carter/Glockler
Nos cuenta la leyenda de los Perros de Guerra, de una tierra que antes estaba en calma. Una canción rápida con mucho ritmo llamativo a nuestros oídos.
-Burning Wheels (4:10)
Byford/Quinn/Oliver/Carter/Glockler
La gasolina que fluye en la carretera con un ritmo de pisada guitarra envolvente y algo decadente mientras las ondas fluyen por las venas de los viejos rockeros.
-Don't Worry (5:17)
Byford/Quinn/Oliver/Carter/Glockler
Pura adrenalina al más estilo Hard Rock, con una sensación de escape, de huida hacia otras nuevas dimensiones. Yo estoy escapando.
-Big Twin Rolling (Coming Home) (5:23)
Byford/Quinn/Oliver/Carter/Glockler
Algún comienzo de Baron Rojo sería similar, pero estos digamos que son un poco más antiguo, de unos coros al estilo New Yersey de Bon Jovi, y vemos esperar la limusina de la fama.
-Hold On (4:31)
Byford/Quinn/Oliver/Carter/Glockler
¿Sacamos la harmónica y nos hacemos un blues para que la vida sea un poco más alegre?, así todos a coro nos sentimos mucho mejor. Grandes punteos de guitarra a mitad de la performance. Porque Jenny vivió en una casa dentro de un pequeño y perfecto hogar.
-The Great White Buffalo (5:52)
Byford/Quinn/Oliver/Carter/Glockler
Los caballos salvajes caminan libres y los guerreros también. Empezamos con un estallido de Rock con claros dejes a su querido Heavy Metal. Una voz melódica y los gritos desgañitados en busca del gran buffalo blanco. Con unos punteos hacia el final, lentos pausados pero encaminados a un final apoteósico como al comienzo.
-Demolition Alley (6:09)
Byford/Quinn/Oliver/Carter/Glockler
Vuelven los riff pesados de guitarra en una explosión, tal y como nos muestran los Judas Priest. Yo trabajo demoliendo y lo sé porque así me lo marco, día a día.
-Walking Through Tokyo (5:50)
Byford/Quinn/Oliver/Carter/Glockler
Rugen las cuerdas de la guitarra en forma de desgarros hacia un clásico de la banda. Un ritmo muy similar al de Big Twin Rolling. Ahora caminamos a través de Tokyo. Las visiones de los Samurais y toda su historia.
-Give It All Away (4:03)
Byford/Quinn/Oliver/Carter/Glockler
Damelo solo a mi y como prefieras.
-Yesterday's Gone (3:43)
Byford/Quinn/Oliver/Carter/Glockler
Para finalizar un ritmo que incita a regresar al inicio y darle a play, lenta y cargada de inspiración porque el cantante siempre enciende la radio pero al final, el ayer ya se fue.
Pablo Herrero Coira ©
Escrito por Ananke el 21/02/09 
Si no has visto esta película y no te gusta que te desvelen la trama no leas las líneas siguientes. Si decides hacerlo te aseguro que no es una película que pierda interés por conocer lo que va a suceder de antemano si no más bien todo lo contrario.
Desde que tengo uso de razón (y prefiero no recordar desde cuando) me encantan las películas de terror, nunca he podido entender porque motivos los personajes oscuros y atormentados siempre me han atraído tanto, pero hay algo profundamente cautivador en lo siniestro, en la oscuridad, en el otro lado… ¿Qué es la muerte sino un reflejo de la vida? ¿O era al revés? Nadie lo sabe. ¿Por qué la gente teme a los difuntos y busca ayuda y consuelo en deidades que nada saben sobre lo que significa ser humano y mortal? Hay cosas que no entiendo y a las que nunca, al menos antes de atravesar la laguna Estigia en la barca de Caronte, encontraré respuesta.
Abandonemos al viejo y usurero barquero y recordemos, brevemente, el argumento de Al final de la Escalera.
John Russel, un compositor, pierde a su mujer y a su hija en un accidente de tráfico en unas vacaciones. Torturado por los recuerdos decide mudarse de estado y regresar a su profesión donde espera encontrar de nuevo la paz perdida. Por medio de una mujer llamada Claire Norman alquila un viejo caserón, una enorme y magnífica mansión que lleva tiempo sin ser habitada. Un día, la mansión se llena de extraños ruidos que él primero atribuye a alguna causa lógica, como las tareas del hogar realizadas por los criados. Pero en el fondo sabe que no es nada de eso, en la casa hay algo… y él puede percibirlo; hay algo que lo llama a registrar la casa, debe encontrar ese algo. En el ático encuentra una entrada secreta que conduce a una habitación llena de polvo y de telarañas, de viejos cuadernos, de una pequeña silla de ruedas y de una caja de música antigua; había sido el cuarto de un niño.
John comprende que allí ha ocurrido algo terrible. Los extraños ruidos no cesan y ha visto durante una fracción de segundo el cuerpo de un niño ahogado en una bañera y decide llegar al fondo del asunto. Él ha sido llamado por la presencia que habita en aquella casa y quiere conocer el crimen que fue cometido dentro de esas paredes décadas antes. Para ello, a parte de investigar en los archivos con Claire se realiza una sesión de espiritismo en la mansión, donde una médium, tras entrar en trance establece contacto con el espíritu del niño que repite incesantemente que se llama Joseph Carmichael y algo sobre su padre. Una de las mejores sesiones de espiritismo jamás grabadas en el Séptimo Arte. Poco a poco queda claro que a principios de siglo, tal vez en 1906, alguien asesinó a Joseph, un niño débil e inválido, por una fortuna demasiado sustanciosa para perderla… Un niño muerto, arrojados sus restos mortales a un pozo y suplantado por un huérfano, silenciando para siempre el terrible asesinato en un viaje a Europa, donde la Primera Guerra Mundial se convierte en la coartada perfecta para la curación de Joseph; ¿quién, después de tantos años iba a averiguar que él no era el verdadero heredero? Nadie.
En el viejo pozo, John encuentra unos huesos pequeños, como los de un niño o un duende y una medalla pequeña y antigua. Ahora sabe que el senador republicano Joe (Joseph) Carmichael, ya de avanzada edad, está relacionado con el asunto… ¿Podrá el atormentado fantasma consumar su venganza? Quienes mueren de manera traumática buscan consumar terribles y sangrientas venganzas, quizás la única manera de encontrar la paz sea ese camino. Pero quien hace el mal, tarde o temprano debe pagarlo pues en el orden del cosmos nada es gratuito. Hay escenas que quedan grabadas en la retina, la imagen de un niño en el fondo de una bañera antigua, una medalla enterrada en el lodo del pozo y, ante todo, esa sensación de angustia y de opresión que para mí es la firma de la película.
Peter Medak dirigió esta película titulada The changeling en inglés a fines de los años setenta. Nacido en Hungría en los años 30, donde ya había ejercido su profesión de director de cine se vio obligado a exiliarse a Inglaterra. En su cartera hay títulos como Especie Mortal II, Superdetective en Hollywood III (1994), Todos los Santos (2001)…
George C. Scott (1927/┼1999): interpretó a John Russel, uno de los mejores personajes de una película de terror/intriga cuando ya era un actor consagrado. En su filmografía entre otros muchos, destacan títulos como Teléfono rojo, ¡volamos hacia Moscú! (dirigida por Stanley Kubrick), Patton (dirigida por Franklin J. Schaffner), El árbol del ahorcado (dirigida por Delmer Daves).
Su interpretación de compositor atormentado por su trágico pasado y por los misterios de la mansión a la que se ha mudado, es inolvidable. Quizá es una de las mejores cosas que tiene la película, el realismo de la interpretación de los actores y la de George C. Scott la encuentro verdaderamente salientable y en nada recargada o excesiva que es el defecto que casi siempre encuentro en los protagonistas de las películas de terror.
Melvin Douglas (1901┼1981) fue el actor estadounidense que interpretó al senador Joseph Carmichael. Trabajó en numerosas películas entre las que destacan Nagana de Ernst L. Frank, El abogado de William Wyler, Esta noche o nunca de Melvin LeRoy, etc. Ganó varios premios entre los que destacan dos Oscars, los dos como mejor actor de reparto por Bienvenido Mr. Chance y otro por de Hud.
No creo en los fantasmas. Eternos fantasmas condenados a vagar por un limbo entre la vida y la muerte, los fantasmas no están verdaderamente muertos pero tampoco vivos, puras sombras de recuerdos. ¿Cómo voy a temerlos? Pero aunque no crea no dejo de tener dudas y de hacerme demasiadas preguntas ¿Tienen los muertos conciencia de existir? ¿De que una vez estuvieron vivos y comieron, rieron, amaron, desearon, odiaron, lloraron, sintieron frío o calor? No tengo respuestas. Nadie las tiene. Los fantasmas son sombras, recuerdos, ecos de voces… No son ellos los que podrían causarme temor sino esa terrible certeza de la nada y del vacío. Tal vez fuera mejor que todo se acabara cuando la vieja Átropos corta el hilo de la existencia de una persona porque yo me imagino un Annfwnn lleno de almas errantes y solitarias en el vacío eterno. Los muertos siempre están solos. Demasiado solos, me temo, aunque no puedo acabar de compadecerlos. Me temo que soy una persona cruel en ese sentido, pero nada que aferre a la vida una vez muerto es bueno. No obstante, ¿si no te aferras a la vida perdida como vas a saber quién eres? Si no puedo conservar mi identidad y mi individualidad en el Más Allá, no quiero existir.
No creo que nadie que la haya visto pueda olvidarla fácilmente, pocas veces me gusta recomendar películas de terror aunque con esta película siempre hago una excepción. No quiero ver una simple película que no me plantee dudas, inquietudes, aunque sea de terror. De encontrarme en el pellejo de John Russel yo no habría subido las escaleras del ático, tampoco seguramente, hubiera encontrado el viejo cuarto infantil porque opino que cada cual consume su venganza de su propia mano. Yo no soy el instrumento de nadie.
Al Final de la Escalera es una pequeña obra maestra del cine de terror psicológico y del subgénero de películas de casas encantadas. Todavía recuerdo la sensación de angustia que me quedó tras verla por primera vez con mi madre cuando tenía once años y…aún me la sigue causando cuando la vuelvo a ver. Yo se la recomiendo a todo aquel que le guste el cine de terror y que no necesite dosis exageradas de kepchut para estremecerse delante de la pantalla. El terror que ofrece esta película es más sutil, te cala lentamente y sin darte cuenta como una ligera lluvia primaveral.
Porque…
¿Alguna vez has sentido que no estabas sólo en tu casa?
¿Te has estremecido en el silencio?
¿Has sentido la angustia de tu propia mortalidad en tus propias carnes?
¿Te has estremecido sin que hubiera una corriente de aire?
¿Has escuchado la música evocadora y nostálgica de un carrusel o de una caja de música?
Dicen que en ocasiones el silencio revela secretos terribles a aquellos que quieren o pueden escucharlos…
John Russel se convierte en el instrumento de una venganza tejida desde el fondo de un pozo abandonado y de un pequeño cuarto infantil. Toda la casa expresa el dolor del espíritu del niño muerto pues durante largas décadas se ha alimentado de sus miedos, de su soledad. Sin duda John empaliza con el espíritu porque ha vivido una tragedia terrible en sus propias carnes, él mismo tiene sus propios fantasmas que desterrar de su mente y ese viejo caserón parece la mejor opción para ello. Para mí esta película demuestra que con inteligencia, un buen guión y excelentes actores se puede conseguir muchísimo más que con toda la tecnología que poseemos en nuestros días de cine Post-Matrix.
Uno de mis clásicos imprescindibles para pasar una tarde o una noche ante la pantalla con una taza de chocolate bien caliente y galletas (sí, cada cual tiene sus rituales y este es el mío, las palomitas para las palomas del parque) para disfrutar aún más, si cabe, de la exquisita sensación de miedo que sé que me va a producir, aunque la haya visto incontables veces y me conozca las escenas casi de memoria. Una pequeña obra maestra del arte de crear desasosiego en el espectador a pesar del tiempo transcurrido desde su estreno… yo desde luego la vi en casa, pero aquellos que la vieron en el cine debieron sentir casi casi el roce de unos dedos invisibles sobre su hombro. Y tú… ¿los sientes?.
¿Sientes el aliento débil de un niño enfermo en tu espalda?
Entra en el desván…
Rita C. Rey. Ananke. ©
Escrito por Athaires el 10/03/09 
La obra más importante de la vocalista, pianista, a los teclados, al arpa o al acordeón Loreena McKennitt y su trabajo The book of secrets es algo más que un libro de secretos. Editado en 1997 por Quinlan Road/WEA, es el tercer trabajo de la trilogía de la canadiense Loreena que empezó siendo de Visit y su sexto trabajo. Puede que no sea un trabajo muy desacorde con cualquiera de los otros pero en él vemos a una Loreena más dinámica, con canciones que podrían ser sacadas de momentos de dulzura y cariño y una emblemática fusión de su música celta y New Age. De él ya se han vendido varios millones de copias por el mundo adelante, algunos la llaman la Enya canadiense.
Vemos el sonido de Loreena McKennitt como un sonido distinto dentro de los demás, o al menos eso intenta, pero el único problema es que ella no parecía progresar mucho durante la publicación de sus últimos lanzamientos aunque todo cambia. Esto no es necesariamente malo puesto que ella todavía sabe escribir melodías increíbles y a los instrumentos les da gran capa e imágenes pacíficas.
Este trabajo fue gravado en los Real World Studios en Wiltshire, Inglaterra. Nos habla principalmente de viajes, desde el Mediterráneo, hasta los viajes del tren trans siberiano. Además de Loreena, el grupo está formado por Hugh Marsh, Brian Hughes, Donald Quan, Rick Lazar y Anne Bourne.
-Prologue (4.22)
A modo de introducción comienza el viaje con una voz sensual y los ecos y las brumas de la distancia. El comienzo de la ruta que nos lleva a este trascendental trabajo en forma de mosaico. Desde Grecia a Turquía se inspiró Loreena en crear este prólogo y las resonancias de los viajes de otros encontrados en su investigación.
-The Mummers' Dance (6.07)
Aquí los timbales hacen de guía introductoria de lo que inicialmente fue un single, posteriormente un DVD, que cuando tenga tiempo os hago una reflexión un poco más didáctica y extensa. Básicamente es probablemente la canción más bella y con una cadencia de violines que deslumbraría a cualquiera que encontrase el arte escrito dentro de un símil incomparable. Nos habla principalmente de la costumbre popular de la momia, su origen y la tradición que implica.
-Skellig (6.07)
Sobre las islas Irlandesas se ha escrito mucho y sobre los viajes a las colonias, también. Supongo que un violín y una guitarra acústica desgarrada por la viola, hace que la voz de Loreena haga una melodía encaminada hacia las más bellas árboles del país y de las galantes damas que las habitan, llenas de aves…
-Marco Polo (5.15)
El ritmo perezoso de esta canción hace de ella un espectáculo de ritmo y danza sin igual. Con una mezcolanza muy hindú hace de esta canción un baile continuo a través de los mares. Casi toda ella es instrumental salvo ciertos acompañamientos de voz al mismo ritmo de los instrumentos.
-The Highwayman (10.19)
Pura melodía bajo la torna de un violín mustio y el oboe de acompañamiento. La obra es de Alfred Noyes y nos habla de la chica de pelo largo hacia la luna o más bien dicho hacia la luz de la luna justamente hacia media noche.
-La Serenissima (5.09)
Un laúd y un arpa comienzan a ritmo suave, descansado y realmente bello desde el principio hasta que la piel se pone en carne de gallina, las lágrimas de felicidad y sueños, muchos sueños van haciendo mella en la soledad de sus instrumentos y los aires diversos que te dicen… Escúchame.
-Night Ride Across The Caucasus (8.30)
A través del caucaso se extiende la inspiración más acorde para dar tino a esta composición.
-Dante's Prayer (7.11)
Cerramos con un trabajo que de nos ser por la voz, podríamos englobarlo dentro de un trabajo de Enya. El piano del océano inunda los sentidos que priman la belleza de la noche y el día, los ángeles y los oscuros tormentos que ve la costa, la playa… imágenes tras imágenes y unos tonos de voz agudos encadenados con ese piano y ese violín de acompañamiento. Una letra realmente preciosa… Así son las estrellas.
Hace un año nos dejaba con la miel en la boca su onceavo trabajo “A midwinter Night's Dream” pero aquel año, Loreena McKennitt, ganaba un Billboard que como os he comentado en anteriores ocasiones es uno de los más prestigiosos premios en el mundo de la música.
Pablo Herrero Coira ©
Escrito por Ananke el 01/04/09 
¿Qué es el jazz? Sencillamente, mi estilo de música preferido y el de millones de personas a lo largo y ancho de la Tierra. El jazz surgió en Estados Unidos a finales del siglo XIX, fruto del mestizaje de la cultura africana llevada por los esclavos de las plantaciones (Louisiana fue un estado esclavista del Viejo Sur), la cultura estadounidense y la vieja tradición europea. Dicen que la cuna del jazz es la ciudad de Nueva Orleáns, (sí, esa ciudad tristemente famosa por haber sido arrasada por el Katrina hace unos pocos años) y, naturalmente, es imposible fechar su origen de manera exacta. Su historia está ligada íntimamente a la historia de los negros (me niego a emplear ese eufemismo racista de gente de color) de los Estados Unidos y me atrevo a suponer (por lo que he leído), que la vida de los músicos de jazz no era fácil… como no era fácil la vida de ninguna persona negra de ese país. Durante mucho tiempo se la consideró un estilo musical de segunda fila simplemente porque no estaba hecha por blancos. Sí, lo sé, es infinitamente triste intentar poner un color a la música… probablemente una de las mayores torturas psicológicas que se pueda someter a un miembro del Ku Klux Klan es obligarle a escuchar jazz ininterrumpidamente durante veinticuatro horas siete días a la semana.
No me gusta definir la música, no todo se puede pone por palabras y mucho menos pasarlas al papel -o en su defecto la pantalla del ordenador-. La música es algo que se encuentra más allá de limitada esfera de la razón y de la lógica y más aún el jazz que huye de las rígidas escalas musicales occidentales. El jazz, al no estar sujeto a esos cánones no es una música sencilla para los oídos poco acostumbrados a la improvisación, a la carencia de melodía… a la riqueza de los ritmos africanos, es un estilo que cuando gana un nuevo adepto lo hace para siempre. Algo, quizá una corriente subterránea se mueve en el interior del amante del jazz cuando escucha su música predilecta; algo profundamente sensual y atávico.
Creo firmemente que a los artistas los hay que juzgar por su obra y no por su vida; de hecho opino firmemente que cuando menos se sabe del autor de una obra mucho mejor, tanto para su memoria -si ha cruzado ya al Annwfn- como para el que disfruta de ella. Toda esa obsesión por conocer la vida de los artistas no es más que el marketing ideado por las grandes multinacionales que no se conforman con vender el producto sino que además tienen que vender al autor del mismo. Una lástima porque opino que el morbo gratuito casi siempre acaba devaluando tanto a la obra como a su creador. De Miles Davis (1926-1991) se han escrito ríos de tinta y se ha dicho todavía más, desde sus orígenes familiares hasta su tira y afloja con las drogas y demás adicciones a sustancias ilegales y nada recomendables para la salud, pasando por su proverbial mal carácter. Pero seguramente no le fue nada fácil ser un músico extraordinario y negro en un mundo de blancos porque él siempre fue hipersensible al racismo. Lo importante es que él era un trompetista que cuando tocaba hacía magia. Todo ello carece de importancia.
Kind of blue es la Obra maestra de Miles Davis un disco que puso de acuerdo a crítica especializada, melómanos y público en que era algo fuera de lo común, un disco, una obra que raya lo excelente, lo perfecto. Se lo considera uno de los mejores discos de la historia de la música y probablemente sea el mejor del siglo XX. Miles Davis es uno de los grandes trompetistas y compositores de Jazz, a la altura de músicos de Louis Armstrong o Duke Ellington, (aunque las comparaciones siempre son odiosas) que sin duda formaron parte de la edad dorada del jazz del siglo XX. Todo lo que se pueda decir o escribir sobre este disco es poco. Cuando escribimos sobre algo es porque lo comprendemos o porque queremos comprenderlo y la música, al igual que todas las artes, se encuentra más allá de la esfera de la razón por mucho que intentemos ponerle riendas. El jazz es una música puramente intuitiva por lo que definir un disco de esta música resulta más complejo.
Se trata de un disco que no deja a nadie indiferente, con el sello característico e inconfundible de la trompeta de Miles Davis. Supuso los inicios del llamado jazz modal en contraposición al Bebop que había imperado durante esa época entre los músicos de jazz. Kind of blue es un disco de estudio que fue el resultado de una breve gestación de dos sesiones: el 2 de Marzo de 1959 y el 22 de Abril de 1959, que aunó al genial Miles Davis con los mejores músicos de jazz de su época: John Coltrane: saxo tenor; Julian “Cannoball” Adderley: saxo alto; Bill Evans: piano; Wynton Kelly: piano; Paul Chambers: contrabajo y Jimmy Cobb: batería y Miles Davis como trompetista.
El resultado de su reunión es un disco de cinco canciones (a veces seis porque se suele incluir otra versión de Flamenco Sketches), que en el 2009 celebra su medio siglo de existencia y que continua siendo considerado como el mejor disco de jazz del siglo XX, mezcla casi cabalística de música modal con la improvisación de las jam sessions, el éxito de cuya fórmula se hallaba en manos de Miles Davis. En su día fue tan innovador que en seguida fue calificado como uno de los mejores discos por los músicos y críticos y poco a poco se ganó el oído del público. A día de hoy continúa siendo una referencia imprescindible para los melómanos en general y para los amantes del jazz en particular. La buena música siempre es atemporal y como el propio Miles Davis dijo una vez, no entiende de géneros musicales.
Las improvisaciones creadas por este quinteto de genios en este álbum sólo se pueden calificar de brillantes. Es la contraposición del conocido como Cool jazz (caracterizado por un estilo de armonías y ritmos más sobrias, más influenciadas por la música modal) al BeBop, (caracterizado por el uso de ritmos y armonías complicadísimas que tuvo su auge después de la Segunda Guerra Mundial).
Las tres primeras canciones tienen el nexo en común en que fueron grabadas en las sesiones del 2 de Marzo de 1959.
So What: esta canción de más de nueve minutos es un magnífico duelo entre el magnífico piano de Evans y el contrabajo de Chambers a los que suelo se unen el resto de los músicos, destacando la trompeta de Miles Davis con sus notas de fondo y más allá aún la batería… ¿Os he comentado que adoro a ese hombre? Sin duda crea magia con un instrumento como la trompeta que a mí sólo me gusta en este estilo de música, magia porque cincuenta años después consigue evocar los cafés de jazz de Nueva Orleáns y Chicago de mediados del siglo XX.
Freddie Freeloader: sin duda a mí esta canción me recuerda al ourobus, la serpiente que se muerde la cola, el círculo perfecto porque termina con la misma melodía que empieza… es la única canción en la que Wynton Kelly está al piano. Las interpretaciones de los otros músicos sobre todo de Miles Davis con su trompeta y de John Coltrane con su saxo sólo se pueden calificar de increíbles. Una canción para escuchar y dejarse llevar…
Blue in Green: sin duda una de las mejores canciones de jazz de la historia y para mí una de las más melancólicas: una canción para soñar en la que Miles Davis volvió a demostrar en las notas finales porqué se le consideraba y se le considerará por siempre uno de los grandes trompetistas de todos los tiempos. Es recomendable aguzar el odio el cien por cien para captar todas las notas del saxo de John Coltrane y de la batería de Cobb y dejarse llevar por ese sentimiento parecido a la morriña que evoca. Como curiosidad parece que hubo polémica por la autoría de la canción entre Miles Davis y Bill Evans…
Apenas un mes y veinte días más tarde, el 22 de Abril de 1959, Miles Davis y su grupo de músicos grabaron los dos temas restantes.
All Blues: otra canción que demuestra el talento increíble de Miles Davis y Cía. Para dejarse llevar y retrotraerse a esos años sumergiéndose en una marea de escalas y notas. Qué tristeza expresa el saxo de Coltrane…
Flamenco Sketches: en esta canción los solos de John Coltrane y de Cannoball Adderley son verdaderamente hechizantes y las notas de la trompeta de Miles Davis, pura elegancia. Y como las otras canciones, reflejan una tristeza profunda…
¿Qué es Kind of blue? Una mezcla extraordinaria de belleza y talento. Para mí es un disco perfecto para iniciarse en el jazz porque es un disco que gusta a todo el mundo, aunque siempre hay excepciones, personas tan duras de oído que son incapaces de apreciar la belleza. Casi toda la música creada posteriormente bebe de sus fuentes, por eso es imprescindible aunque sea por pura casualidad, no se puede dejar de escuchar un disco que marcó las últimas décadas de la historia de la música y que cambió el jazz para siempre.
Intentar comprender esta obra musical es imposible, dentro de cincuenta años se estudiará en los libros de texto como un clásico del siglo XX y quizá los críticos musicales descubran la esencia de su secreto. Mientras tanto… nosotros tenemos la mejor de las opciones: escucharlo. Esa es la mejor manera de rendirle tributo a un músico.
Rita C. Rey. Ananke. ©
