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Top 10 películas más taquilleras en España Top 5 películas más taquilleras en Estados Unidos



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Escrito por Athaires el 09/08/07

Half Tail, Wolfstone Pinche en el enlace para votar


The Half TailPara fusiones con este tipo de música, hablamos de celta y rock, lo mejor es dejárselo al maestro Ǿytein Sevǻg sobre todo en su trabajo Bridge donde se fusionan más de cinco estilos musicales. Véase que para la grabación del mismo se usó a la orquesta filarmónica de Londres dirigida por uno de los componentes de Ǿytein, concretamente Terje Mikkelsen.

Este disco editado por Green Linnet Records, salió a la venta en 1996, casi a principios de 1997. The Half Tail es un trabajo de la banda Wolfstone bajo la producción de Chris Harley.

The Half Tail es un disco de fusión como mencionábamos antes, de introducciones muy largas y canciones que terminan explotando a base de ritmo, marcado principalmente por la guitarra eléctrica, la gaita y el violín.

La formación Wolfstone (Stevie Saint, Duncan Chisholm (de Inverness donde se basa uno de sus discos), el guitarrista Stuart Eaglesham, Ross y el batería y teclista Alyn Cosker) sale a la luz por primera vez en 1989. Desde las tierras escocesas han llegado a gran parte de Europa (Noruega, Holanda, Dinamarca, Portugal, España, Francia, Italia, Alemania…) y hasta las tierras de Vindland (Canadá y E.E.U.U.), tocando en conciertos de más de 60000 personas.

A esta banda la tengo visto en directo en el festival da Fraga do Eume en As Pontes de García Rodríguez (A Coruña).

Canciones que lo componen:

Zeto 4:13

Empieza con un sórdido comienzo de gaita leve y punteos de guitarra que se hace un tanto largo pero lo podemos ver como modo de presentación, hasta que eclosiona en la guitarra eléctrica y la gaita anunciando la explosión final que no es inmediata. Todo muy lento y efusivo hasta que llega la marcha final con el Violín y tu cuerpo empieza a moverse. Es instrumental.

Tall Ships 4:54

Con un aire country, la voz se hace presente y hay una mezcla de instrumentos. Nos habla de los marineros, de tripulaciones y veleros que surcan los mares. Incluso intenta recrear los sonidos de las sierras que permiten la construcción de los mismos. Sin ser excesivamente marchosa, posee fuerza y camino. Termina con una armónica deduciblemente fantástica.

Gillies 6:43

Un comienzo de teclados triste, con gaitas haciendo llamamientos a las palabras prohibidas. El himno suena en tu mente y los himnos de la misma Irlanda o Escocia se dejan ver entre líneas. Luego entra la batería, la guitarra. Con una flauta a un cambio de ritmo y finalmente nos prepara para una explosión de ritmo que introduce un violín, es momento de bailar y dejarse llevar. Otra instrumental.

Heart and Soul 3:15

Aparece de nuevo la voz, esta vez en una canción llena de dúos y muy celta (Folk). Con unos violines de fondo que marcan el ritmo, junto con una armónica con cambio para los slash.

Granny Hogg´s Enormous Ballet 3:43

Un piano suave nos introduce a una canción que inicialmente nos recuerda a un intro de Mike Olfield hasta que juntan en un cambio de ritmo todos los instrumentos. De ritmo llevadero, semi marchoso y tendencia a balanceo continuo y poco brusco. Es instrumental.

Bonnie Ship the Diamond 5:53

Hablamos de mi canción preferida del disco, para mí la que me llamó la atención primeramente. Empezamos con una voz suave, con curiosos coros donde el tono de voz es dispar a las del todo el disco. Sólo aparece la voz grave y profunda en ciertos espacios tranquilos de la canción, llenos de punteos de guitarra y suave bajo, que en esta se hace muy presente. Es quizás la canción más pop-rock del disco y llama la atención de la continuidad del ritmo en contraposición de las anteriores que si lo hacían. Unos violines muy parecidos a los de The Corrs y una guitarra que rasga la monotonía que puede formar las notas en forma escalar.

Glenglass 5:26

Una instrumental de flauta y whistle, que lleva lugar a la reflexión, la paz y el sosiego. La acústica acompaña y un pequeño chaston con un poco de ritmo. De vez en cuando aparecen los teclados. Un aire distinto. Piano hacia la mitad y hacia el final vemos reflejo un ambiente acogedor y hogareño, para días lluviosos y fríos donde una taza de café, la pipa y un buen libro, hacen la tarde o la noche más amena. Hay pequeños toques de Jazz.

Clueless 3:56

Esta es al más puro estilo The Chieftains, instrumental, muy movida desde el principio, con gaita y timbales de inicio que nos llevan a ponernos alrededor de una hoguera, una jarra de cerveza y Carpe Diem…

No Tie Ups 4:07

Para finalizar aparece la voz grave de nuevo en una canción dedicada a la carretera del Océano y la costa. Muy tranquila, descriptiva y todo apunta hacia un final con coros como cuando salen en la televisión las imágenes de despedida de los programas o el de las asociaciones benéficas.

Fin: 42:15 minutos.


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Escrito por Athaires el 10/08/07

Long Black Veil, The Chieftains Pinche en el enlace para votar


Long Black VeilLa palabra Folklore: folk (pueblo) y lore (conocimiento).

De la casa Rca (General Electric Company) y bajo el copyright de Bmg (BertelsMann Group) en 1995, sale este trabajo de la banda The Chieftains (Seán Keane, Kevin Conneff, Matt Mohillo, Paddy Maloney y Derek Bell) llamado The Long Black Veil.

Este disco está lleno de colaboraciones que os iré narrando durante la opinión, y por lo mismo, está lleno de muchas mezclas musicales. Aún así, no dejan de estar acordes entre sí, salvo 4 o 5 de ellas donde no varían el estilo habitual que nos tiene acostumbrado la banda irlandesa The Chieftains. El disco se nos hace corto y lo veo especial para momentos de relax y a poder ser disfrutando de buenas vistas.

La banda de Irlanda The Chieftains aparece en escena por primera vez en 1963 y es una de las veteranas por así decirlo. Llevan ya en sus espaldas más de 33 trabajos y actualmente tienden más hacia la fusión y el acompañamiento de otros artistas como lo vemos en este disco. Sus trabajos más importantes son "An irish Evening", "The celtic harp", "The long black veil" y "Santiago".

Canciones que lo componen:

1-Mo Ghiler Mear (Our Hero) 3:22

En esta canción aparece la colaboración del artista Sting (El de The Police). Nuestro héroe es llamado. Una performance llena de cánticos al más puro estilo de Irish Songs Of Rebellion, Resitance & Reconciliation con un acompañamiento de flauta travesera y una leve gaita acompañan a los tambores de guerra.

2-The Long Black Veil 3:38

Otro artistazo para la canción que da nombre al disco. Nada más y nada menos que Mick Jagger (El de los Rolling Stones). Dejando los tambores de guerra, el arpa con un violín, la flauta y pequeños coros de fondo te acompañaran en un tranquilo viaje hacia el camino.

3-The Foggy Dew 5:20

Pues como ya venimos demostrando, este disco está lleno de grandes artistas colaboradores y no va ser menos que aquí nos encontramos a una gran voz, ciertamente hablamos de Sinéad O´Connor. Vuelven los tambores de guerra con una voz acompañada de flauta, gaita e incluso una especie de banjo que nos habla de la batalla y la niebla, con una armonía celestial.

4-Have I Told You Lately That I Love You? 4:40

Pues señoras y señoras, aparece el piano, violín, flauta… cambiamos el estilo, nos damos un paseo y de paso invitamos a Van Morrison. Realmente algo muy distinto donde el Fol es un acompañamiento a una música marcada por el artista invitado.

5- Changing Your Demeanour 3:16

Y claro está en la canción donde están los irlandeses The Cheftains sin ningún artista invitado, vemos mucha marcha, una voz granjera que nos produce ganas de bailar, darle a las piernas, sentirnos libres y alegres. Casi se podría decir que la sonrisa sale sola.

6-The Lily Of The West 5:10

¿Y ahora a quien invitan?. Pues vamos con Mark Knopfler (El de los Dire Straits) para introducirnos una mezcla de Brother In Arms con un estilo muy pegado a sus bandas sonoras de películas en solitario (Véase, The Bridge). Otra muy tranquila.

7-Coast Of Malabar 6:01

Invitaron a Ry Cooder. Lejos de aquí, a través del océano, te veo a ti, oscura y solitaria, pero que sepas que siempre te llevaré dentro de mi corazón. Similar a Crosbi, Still, Nash&Young de su disco American Dreams.

8-Dunmore Lassies 5:14

Puramente instrumental, relajada, tranquila, suave donde aparece de nuevo Ry Cooder. Destacar la Flauta y el ambiente medieval nos inunda nuestros sentidos, parece un comienzo de Dire Straits si no fuese por un flavo léete que marcado por una flauta nos hace un desafío eterno.

9-Love Is Teasin 4:36

Invitaron a Marianne Faithfull para llegarnos este deseo que padece de un pudor entrañable.

10- He moved Thrugh The Fair 4:54 “Mi favorita”

Otra vez Sinéad O´Connor hace gala de presencia y otra harmoniosa arpa nos lleva a donde tocan canciones prohibidas con gaitas prohibidas, donde la madre, la hermana hacen ver la llegada de Diós menor. Esta vez la voz de la artista se mantiene aguda y el grito incesante del águila hace que más de una lágrima surja de la belleza y la pureza de la misma.

11-Ferny Hill 3:43

Otra locura transitoria e instrumental donde vuelve a estar solo los irlandeses The Chieftains, pero esta vez la marcha es incremental, encaminada por la flauta que va dando paso al ritmo seguida del violín. La cerveza negra empieza a correr y la gente enciende sus pipas para seguir con esta destacable canción. ¿Por qué no vamos a una taberna Irlandesa?. ¿A que estamos esperando?. El ritmo se desboca inconmensurable a medida que se acerca el final donde no paramos de dar vueltas.

12-Tennesse Waltz/ Tennesse Mazurca 3:58

A la voz aparece el enigmático Tom Jones con un estilo muy romántico. Los amigos se encuentran, mi querida, porque así son las cosas por la noche. Alegre y apacible se nos muestra este fragmento del disco.

13-The Rocky Road To Dublín 5:06

Como broche de oro a este disco, la banda The Chieftains y The Rolling Stones tocan una pieza cargada de la voz de la primera y el ritmo de marcha que encaminaría el camino de uno, dos, tres y la guitarra de la canción The Black Sugar… Cambio de ritmo de batería y los punteos de guitarra a ritmo de Violín, como cuando una orquesta va dar comienzo su función. Al final los gritos y el baile emanan del cielo.


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Escrito por Athaires el 10/08/07

Un gigante... Pinche en el enlace para votar


EmiDesde que comenzaba su batalla en 1956 hasta la actualidad, el sello discográfico más importante de España (por volumen de ventas ronda casi el 40% aunque depende de quien aporte estas estadísticas) es sin lugar a dudas Emi-Odeón, es decir, la división de Emi Music España del gigante a nivel mundial (Por unos treinta países) más conocido genéricamente como las divisiones Emi music, Emi records, Emi distributions, Emi Publishing o sencillamente la casa discográfica Emi, de origen británico. En realidad esta casa agrupa a más de mil artistas en todo el mundo y distribuidos en una multinacional que agrupa a unas setenta empresas en total. La división de Emi Odeon España cuya página oficial es esta y donde nos promocionan las giras de sus artístas, novedades, vídeos, links a los clubs de fans, maquetas y otras secciones de interés, está presente como la división de Emi para España y los países latinoamericanos, que por ventas es la número uno y que ha apostado por el nacimiento de grandes artistas y que sin lugar a dudas ha comido mucho mercado y mucho prestigio sobre todo en grupos consolidados, pero aquí en España, lo que es el mercado naciente, no es su signo y eso permite a otras casas como la Sony music (De la Sony division) o Bmg ganar un puesto dentro de las listas de ventas.

La casa Emi a través de sus filiales se encarga de la grabación en estudio, producción/montaje y distribución de música y vídeos musicales de sus artistas afiliados en todos los formatos conocidos, casete, cd, vinilo y dvd. Prácticamente todo lo que tiene que ver desde que el artista registra sus creaciones en un soporte físico para su posterior venta en el mercado.

Entre los sellos propios y genuinos de Emi destacaría Emi classics, Emi Marketing y Emi Dance. Los sellos son como los estudios de grabación que se encargan de grabar las creaciones de los artístas/grupos en los soportes físicos para su posterior venta. Primeramente en una maqueta y luego un disco después de pasar por los técnicos de sonido etc.

Pero además Emi a través de Emi Publishing es propietaria de los catálogos de los sellos Screen Gems, SBK, Filmtrax (División de la Warner Bross Pictures ó Warner music en los Estados Unidos de América), Virgin Music (El sello blanco de grupos como The Chemical Brothers) y la mitad de la ex-Motown actual Jobete music (La de los Jackson´s five) y recientemente la Windswept Pacific. La Capitol music (El sello de kaftwerk, Poison, Megadeth, Sinatra, The Beatles) y Mute Records, que son otros gigantes en Alemania, pertenecen a la División de Emi Electrola Alemania y por tanto tambien forman parte del gigante Emi ya que es el propietario del copyright aunque las grabaciones se hagan dentro de los estudios de los sellos anteriormente mencionados. Otros sellos asociados a Emi son: Narada records (Una de las divisiones eléctrónicas en vinilo), Abbey Roads (Sello de Rock, Hard Rock y Heavy metal), Caroline Records, Matador y Mosaic Records, Parlaphone Records. Adicctiva y Positiva records junto con DFA records y Heavenly son los sellos de la división de Emi Records Uk. Hostile records, Blue Note (Sello especializado en música Jazz con artistas como The Duke, Lluis Amstrong) y alguno más que se me queda en el tintero.

En Emi Odeon España los sellos asociados son Capitol, Virgin y Blue Note.

Algunos de los principales grupos/artistas de la casa a mi entender y por estilos serían los siguientes:

-Música Electrónica (Techno, Dance, House, Progressive…): Prodigy, Matchbox 20, Jamiroquai, M-People, Alaska, Obk, Daft Pank

-Música pop/Rock española: Amaral, Dover

-Pop/Rock/Hard Rock/Heavy metal, Internacional: Simply Red, Meredith Brooks, Sting, Queen, Crowded House, Robbie Williams, The Rolling Stones, The Verve, Gloria Estefan, Tina Arena, Billy Joel, Blind Guardian, Aerosmith, Pink Floyd, The Vines, Lenny Kravitz, Cold play, Radiohead, …

-New Age: Enya

-Folk: Orishas

-Soul: Janet Jackson… …Y un largo sin fin de artistas y grupos que hacen crecer cada día más a esta casa discográfica.


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Escrito por Athaires el 10/08/07

La Serpiente Blanca Pinche en el enlace para votar


SnakebitCreo que Whitesnake debe estar ubicada entre las más destacadas bandas de heavy rock/Hard Rock y que además de todo, pudo darse el lujo de disfrutar sus mejores momentos durante la misma década de los 80's, a diferencia de sus pares, sin mencionar el tremendo impacto comercial en los EE.UU. a fines de la misma época.

Líder de este conjunto es el vocalista (ídolo, gurú, master de los master y además, entero rico) David Coverdale, quien primero reemplazó a Ian Gillan en Deep Purple y que se mantuvo en esa mítica banda entre 1973 y 1976. Después de esto, Coverdale grabó un par de discos solistas para luego formar Whitesnake.

Por esta banda han pasado, en distintas etapas, varios idolazos del rock como los bateristas Cozy Powell y Tommy Aldridge, el bajista Rudy Sarzo los guitarristas Steve Vai, Vivian Campbell, John Sykes y Bernie Mardsen, más dos miembros de Deep Purple como John Lord y el batería Ian Paice. Si bien este grupo recibió el aporte de muchos músicos importantes, a la larga esto se convirtió en un problema ya que los sucesivos cambios en su formación lo fueron desgastando (sin mencionar las distintas luchas de ego entre una que otra estrella… pero ese es tema para otra columna).

Snakebit

Este fue el primer disco editado en 1987 aunque el oficial sería Trouble. Producido por la Warner Bross music bajo el sub-sello Geffen, los autores de las canciones son Martin Birch y Roger Glover.

Dentro de una marcada línea dentro del Hard Rock nos hacen un disco mucho tranquilo y suave que los siguientes discos de la formación. Sin lugar a dudas todavía no eclosiona el estilo que predomina en este grupo viendo un ambiente con tendencias al Blues y al Rock. Vemos aires de The Skylinners y Deep Purple.

Siempre fueron los reyes en esa mezcla Blues y Hard Rock. Han contado en sus filas con genios definitivos. Las dobles guitarras de Micky Moody y Bernie Marsden poseían un feeling inigualable. Cozy Powell fue uno de los grandes de la batería y de Jon Lord no hace falta comentar nada.

Canciones que lo componen:

Come on

La primera que marca, la diferencia con un ritmo medio, la que nos llama a ir, porque la vemos como un vamos a tocar Rock and Roll, puro y duro sin mucho hard Rock, como el Bon Jovi de antes. Estás, estás llegando al deslizante de la guitarra que poco a poco te llama, vamos.

Bloody Mary

Más rítmo, más pasión.

Ain´t no love in the Herat of the city

Al puro estilo pink floyd, espezamos con voz carrasposa, luego deja un ritmo decadente, superfluo, roto por un simple fulgor de guitarras. Tambien me recuerda a Donald Fagen.

Steal away

En el estilo del New Jersey de Bon Jovi o un carácter de Aerosmith, nos deja un country mezcla del más genuino blues. Guitarras simulando harmónicas y una potente sonoridad. Acabando con voces que se pierden en el vacío.

Keep on giving me love

Clásico Hard rock, rítmico pero sin excesiva explosión de sonido, con su tramo de estribillo por una guitarra tranquila al puro estilo ochentero, harmónica en tono de blues marca la caída hace lo que es estrepitoso destello de el amor que debes guardar en una caja.

Queen of hearts

Teclados de entrada que luego acompañarán toda la canción en una llamada al recorrido de la carretera que explosiona en el primer minuto después de una entrada melódica. El bajo se deja ver tras una luz en el medio del performance. Un solo de guitarra hacia el final que sumerge en el mundo del Rey de los corazones.

Only my soul

Brillante, balada de la formación y sin lugar a dudas descrita como una de las grandes del grupo, una canción muy melódica con la voz sin carrespeos, muy limpia y clara. No explosiona hasta el minuto 2, con unos carraspeos de guitarra y una voz aumentada por el eco de sus voces. Luego silencio rítmico astral, con la zozobra de las olas y del sonido que se balancea de lado a lado hasta la vuelta a la explosión.

Breakdown

Para finalizar la canción más larga del disco y para despedirse un ritmo que nos hace movernos el esqueleto. Roto al estilo Blues, al estilo Led Zeppelin, una cerveza y nos dejamos llevar.

Total 38:50 minutos de pura pasión.

Otros discos destacables de Whitesnake o por lo menos que dispongo:

-Trouble (del mismo año).

-Lovehounter 1979.

-Ready An´Willing 1980.

-Come An´Get It 1981.

-Saint And sinner 1982 (Como el disco de All Saints).

-Slede It In 1984.

-Whitesnake 1987.

-Slipe Of the Tongue 1990.

-Resstless Heart 1998.

-Starkers in Tokyo 1998.


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Escrito por Athaires el 11/08/07

Testament, the soul of black Pinche en el enlace para votar


Soul of blackDe los pioneros del Trash Metal.¿Quien es Testament?, ¿Un jodido picnic?.

De las primeras bandas que conformaron el estilo Trash-Metal, destacamos al grupo en cuestión, Testament. Su fundación data del año 1983 en San Francisco, bajo la iniciativa de Louis (El batería) y Eric Peterson (Guitarrista) que crearía la banda que pasaría a ser llamada como tal.

¿Quien es Soul of Black?

Bajo el sello discográfico Antlantic, también conocida como Drow East West, y en colaboración con Megaforce como dueña del publishing , Testament saca su trabajo Souls of Black en 1990 en los estudios de Fantasy studios, Berkeley, California. En este disco todas las melodías son de Chuck Billy y los arreglos de Testament, es decir, toda la banda formada por Louis, Eric con sus guitarras Gibson, el propio Chuck, Alex y Greg. Estos dos últimos usan la marca de instrumentos Ibanez, Paiste y Marshall.

¿Qué contiene ese Soul of Black?

Los temas del disco son:

1 Beginning of the end.

Con un breve acústico de guitarra dentro del estilo de violín desafinado damos paso a la segunda canción del disco.

2 Face in the sky.

Comienzan los rifts de guitarra y un grito entre las sombras que no llevan a un clásico del puro estilo black metal.

3 Falling fase.

Mamporrero de batería clásico hacia los sonidos también clásicos de guitarra. Tenemos acompañamiento de la voz clara del cante con sonidos guturales de la voz corista y finalmente los punteos de guitarra hacia el meridiano de la performance. El guiño de la caída hacia el final. Una de las grandes del disco sin lugar a dudas.

4 Souls of black.

Con una tormenta, una música nocturna y funeral tenemos a la canción que da nombre al disco. Una cadencia muy constante en toda ella donde nos introducen en lo que va a ser uno de los discos más importantes de Testament.

5 Absence of light.

Vamos a darle caña entre la luz y los acompañamientos que nos llevan hacia los niveles puros y más altos de la purulencia y el Don. Rasga el sonido mientras las mentiras suplican… Basta.

6 Love to hate.

La canción protesta donde todos a coro te lo gritan a forma de riña. Buenos punteos de guitarra hacia el final en una batería que le falta energía.

7 Malpractice.

Discuten las guitarras y rasgan la explosión que forma parte de una de las canciones más cañeras del disco. Desde luego aquí ninguno de ellos se queda atrás. Ciertos recuerdos al disco Master of Puppets de Metallica.

8 One man´s fate.

Así empezaría un hombre, y tu?.

9 The legacy.

Si la número 4 daba nombre al disco y la anterior era de las destacables, esta es sin lugar a dudas la balada Black más famosa del grupo y la única del disco, básicamente porque en un grupo de este estilo, este tipo de canciones es difícil encontrarlas. Mirando hacia el cielo y con una buena sonoridad y eco, se invoca ese legado que nos han dado ellos, los Dioses del Metal.

10 Seven days in may.

Para finalizar, otra de las más movidas del disco. Cientos de miles de individuos haciendo pogo por las calles, que solo quedan siete días de Mayo…

¿Cuánto dura ese jodido picnic?

Total 39minutos y 19 segundos de pura pasión salvaje.

Otros discos de la formación:

-The Gathering (1999)

-Demonic (1997)

-Live At The Fillmore (1995)

-Low (1994)

-The Ritual (1992)

-Practice What You Preach (1989)

-The New Order (1988)

-The legacy (El primer disco de la banda, 1987)


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Escrito por Athaires el 19/08/07

Resurrection Fest Pinche en el enlace para votar


Resurrection FestEn primer lugar un saludo y muchas gracias por prestar atención a esta reseña que os muestro en Ratón de Biblioteca. El pasado 17 de Agosto tuve la suerte de asistir a la segunda edición del Resurrection Fest, consagrado a estas alturas como el festival de hardcore más importante de España de la mano de Old Navy Port, si quereis saber un poco más sobre ellos y el festival os remito a la web aquí, además de los videos de 25 producciones. Sin lugar a dudas es un festival destacado para asistir en próximas ediciones seas o no fan de este estilo musical, pero vamos a seguir hablando y daros los motivos que espero sean suficientes.

Quiero felicitar a las casi 4000 personas que asistieron al evento y señalar su buen comportamiento, dando ejemplo de limpieza y serenidad a pesar de las críticas de los profanos de la materia. También felicitar al ayuntamiento por su buena labor en la iluminación de las calles y monumentos, espacios verdes, limpieza y en general, mantener el pueblo con buenos servicios recomendando a Viveiro como un buen lugar de turismo. Bucólicos paisajes de montaña y playa sin necesidad de recurrir a medios de transporte es otra ventaja que pocos pueden disfrutar.

La zona de camping gratuita quedaba un poco apartada, en el monte, por eso pusieron autobuses pero había otra, aunque un poco pequeña, estaba pegada justo al estadio por lo que en cuanto a ubicación, es más que perfecta y además rodeada de un amplio pinar con mesas bien iluminado. Cerca de todo esto está la playa de Covas y lo bueno es que esta zona está aislada de casas ya que se encuentra entre colegios, el estadio y un polideportivo en forma de isleta, por lo que no se molesta a nadie.

El evento duraba dos días, concretamente el 17 y el 18 de Agosto del 2007, aunque personalmente solo puedo evaluaros el primero. Los grupos según el programa oficial:

--Viernes 17--

19:00 Apertura de puertas

19:30 Shatered Dreams

20:15 The Awake

21:00 Rain is Art

21:45 Devil in me

22:45 Caliban

00:05 Madball

01:30 Napalm Death

02:45-04:00 Sesion cierre

--Sábado 18--

19:00 Apertura de puertas

19:30 The Black Panthys Party

20:15 Against the Spirits

21:00 Grankapo

21:45 Twenty Fighters (repetidores en este festival)

22:45 Angel Crew

00:00 Ignite

01:30 Backfire

03:00-05:30 Dj Karras Martinez Vs Kanive

Os he marcado en negrilla los grupos destacados del festival aunque el grupo estrella ha sido Napalm Death, grupo formado en 1982 y ya un gigante consolidado dentro de este estilo desde su entrada en la Fear Factory unos diez años más tarde. Para más información: Pincha aquí.

Empezaron un poco más tarde de lo previsto pero las amplias puertas del campo de fútbol de Viveiro fueron suficientes para evitar problemas al entrar, además el evento era gratuito y la entrada y salida del mismo era más que asequible. Lo único que pedían es que no se entrase con botellas de vidrio para evitar problemas pero dejaban mochilas, bolsos…

Los servicios del estadio permitían hacer necesidades mayores y menores a gusto del consumidor y la adquisición de bebidas, previo ticket, estaban a muy buen precio. Como buen festival se preste, el merchandising al entrar y dispuesto en fila a buenos precios y bien organizados destacando Combat Noise.

El equipo de sonido era digital monitorizado por ordenadores, así como el equipo de luces dando calidad más que suficiente aunque un pequeño fallo para mi gusto estuvo en el escenario, que podía ser un poco más grande dejando margen a los grupos para mayor movimiento.

En resumen, la actuación de Devil in me, a pesar de tener poco público ha sido sorprendente y reveladora aunque quedase un poco tapada ante la llegada de Caliban. Fue Madball el que dio las notas de calidad y un previo al veterano Napalm Death que ha sido el pleno en público, el pleno en movimiento y totalmente suelto haciendo referencias a la no violencia. No ha faltado Pogo limpio, incluso Caliban incitó a ello.

Viveiro 2006


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Escrito por Athaires el 26/08/07

Ciudadano Kane, Orson Welles Pinche en el enlace para votar

  Contiene vídeo de 233.633 segundos en formato de 480 píxeles de ancho y 360 de alto, 541.86721910004 de bitrate a 29.97436149859 frames por segundo. Tiene una frecuencia de 44000 hertzios, profundidad de 16 bites en 2 canales para el audio. Estará bien, se lo aseguro.

Ciudadano Kane¿Quién es Rosebud?

Hablamos de la mejor película que ha dotado RKO Pictures en 1941 a la historia del cine, la que aparece emitiendo un repetidor de señal sobre una colina. No se exactamente como cayó en mis manos la versión en DVD de este clásico dirigido, producido, interpretado y coguionista por Orson Welles remasterizado por unos estudios de Barcelona para Manga Films, donde hay que aplaudir el laborioso trabajo de limpieza de audio y video que ha sufrido esta versión para recuperar lo que el tiempo había conseguido sobre los mejores fotogramas que se conservaban de Ciudadano Kane, la película sobre la que se centra esta opinión. Cualquier historiador del cine, considera a Ciudadano Kane como la mejor película aunque no nos olvidemos que Carol Reed fue el creador de El Tercer Hombre, quizás la mejor película de suspense de la historia del cine, pero aunque El Tercer Hombre como tal, no haya sido superada, yo categorizaría Ciudadano Kane como una de las mejores del cine de intriga en blanco y negro, sin olvidarnos de las de Alfred Hitchcock con su Muerte en los talones, Los pájaros, Vértigo, Psicosis… o también tendremos incluida la de Bienvenido Mister Marshall, sobre todo lo que se semeja cuando llega al pueblo el americano. Esto último también se ve en la película Amanece que no es poco.

Kane

La Trama

Charles Foxter Kane, el sexto hombre más rico del mundo, muere en 1941 siendo probablemente el americano más excéntrico y famoso de su tiempo. Pocas cosas eran las que no hizo este hombre con su fortuna. Había comprado el diamante más grande del mundo, se había casado en dos ocasiones, poseía 32 compañías de periódicos uno de ellas el Irwing que pasó de ser un periodicucho de corta tirada a ser el de mayor edición contando con los mejores redactores que otros jornales habían conseguido en 20 años de historia y él lo hizo en cinco a base de inyecciones del capital de Kane, estaba rodeado de amigos que compraba con esa misma fortuna y que luego se sentían en deuda con él, pero a Kane todo el mundo le adoraba. Era una figura bien vista en América, además de ser considerado un buen americano, pudo ser de así haberlo deseado Presidente de las Estados Unidos de América, la U.S.A. del grupo británico The Beatles, de hecho su primera esposa fue la sobrina de uno de esos presidentes.

La familia de Kane heredó una mina de metal que se consideraba poco rentable y que al parecer si lo era. Un banco se ofreció a darles a sus padres una pequeña pensión mensual y dotar a Charles F. Kane, su hijo, de la posibilidad de viajar por el mundo y vivir en otra casa con mejores condiciones a cambio de que ellos la explotasen, a mayores Charles heredaría con 25 años todo el capital que había generado esa mina. Así dio comienzo la fortuna de Kane que dedicó su vida a comprar cosas que luego elevarían esa fortuna, salvo cruzadas como las del periódico Irwing que él mismo la consideraba como un pasatiempo. Llegó a tener una emisora de radio y ser dueño de una industria filmográfica, tuvo explotaciones mineras, madereras, cadena de Hoteles, de barcos incluso trasatlánticos y una infinidad de industrias que le hacían ser el tercer propietario más grande de las reservas de oro de los Estados Unidos de América que se guardaba como no, en Ford Nox.

La película da comienzo con las imágenes sombrías de un monte vacío con niebla que han sido una huella de referencia en Ciudadano Kane y con la historia del palacio, llamado Xanadu donde pasó sus últimos días. Su colección de estatuas y ese palacio construido con 20000 árboles y 2000 bloques de mármol, teniendo partes extraídas de otras construcciones similares, principalmente egipcias y griegas.

Luego muestran una película de 10 minutos que intenta recordar la vida de Kane para conmemorar la muerte de este ciudadano nacido en 1871. Los periodistas que se reúnen para ver esa película y así dictaminar si sale a la luz o no, deciden asignar a uno en concreto para que investigue el origen de sus últimas palabras “Rosebud” y poder personalizar un poco más ese homenaje que consideran frío y corto. En pocas palabras, tratar de humanizar el asunto.

A partir de este momento, el periodista se irá encontrando y entrevistando con todos los allegados de Kane que le irán contando toda su vida que más o menos os he avanzado, pero que me gustaría que los lectores disfrutasen con un visionado al filme para que completasen esta opinión y así me diesen su punto de vista, porque sin lugar a dudas la película lo merece, aunque tengáis que dedicarle las 2 horas que dura (119 minutos), os aseguro que merece mucho la pena verla.

Fotografía

La película en si tiene muy buenas imágenes fotográficas de la mano de Gregg Toland no sólo por la perfecta coordinación de la escenografía con las costumbres de aquellos tiempos que se ven reflejadas en las conversaciones, en las calles, los coches, la forma de trabajar que también fue criticada en la de Chaplin con su Tiempos modernos o por las conversaciones de las mujeres. Perfectamente animadas cuando la película se muestra como un documental, hasta los momentos donde se ralentiza y se vuelve realmente una película. Son esos toques de suspense que también veíamos en la primera versión de Paul Newman de la del Color del Dinero, hablamos de El buscavidas.

Personajes

Los actores actúan de modo impecable porque saben enfatizar muy bien ese tono de voz en el momento justo que lo requiere la situación y que os analizo paso a paso los más importantes.

-Orson Welles con el papel de excéntrico multimillonario Charles Foxter Kane.

-Josehp Colten con el papel del mejor amigo de Kane Jedediah Leland.

-Dorothy Comingore con el papel de Susane Alexander Kane, la segunda esposa.

-Agnes Morehead como Mary Kane, la madre.

-Ruth Warrick como Emily Norton Kane, la sobrina del presidente y la que fue su primera esposa.

-Ray Collins como James W. Gettys que es uno de los políticos.

-Buddy Swan hace el papel de Charles Foxter Kane como niño.

Algo que no le podemos pedir mucho a esta película es el juego con las imágenes de la cámara. La tecnología del momento en que fue rodada no los lo permitiría, pero aún así está a la altura de la otra de Chaplin, la de El gran dictador. En cuanto a la banda sonora de Bernard Herrmann he de declinar ese aspecto. Mejor el mítico piano tanananana… nana…., tanananana… nana…. De El Tercer Hombre.

Reflexión

Esta película evoca momentos de reflexión y yo quiero llegados a este punto, analizar un poco lo que daría de si Ciudadano Kane:

-En primer lugar, la situación de Kane, un excéntrico multimillonario. Como ya comentábamos, Kane gastaba mucho dinero y de alguna forma compraba a la gente que luego se sentía en deuda con él, pero primeramente no escatimaba en gastos. Esto en realidad lo hacía porque él se sentía solo y de esa forma conseguía estar rodeado de gente que lo adulaba constantemente. Es algo que vemos como una constante ligada a la realidad. En muchas ocasiones los ricos se sienten solos a menudo amargados por la sensación de que la gente está con ella por el interés. Puede ser esta una causa bastante certera y común, aunque en ocasiones falsa e inequívoca porque siempre hay alguien que te quiere y estará a tu lado, a no ser que seas un prepotente como lo era Charles, la vida también pasa factura por tus acciones y así después de llevar a tu país a una guerra y salvarlo de otra y ser tachado de comunista, Kane acabó su vida en soledad en el palacio que ya os contara.

-Por otra parte vemos la vida de su amigo, Jedediah, con el cual había estudiado en los mejores colegios del mundo y que trabajaba con él en el periódico. Quizá fue el único amigo verdadero que tuvo en su vida pero ya veréis como acaba la relación por culpa de la prepotencia de Charles y su negación a la realidad.

-Tampoco quiero menospreciar a la gente que mantuvo su nombre pero le dio la espalda cuando las cosas no le iban tan bien, en el sentido de que la gente lo deja cada vez más de lado porque lo miran a él y no a su dinero. Es el caso de los trabajadores del periódico que mientras tenían sus fiestas y su dinero, no hubo problemas pero… Cuando todo se acaba, no todo el mundo es capaz de seguir el ritmo y tuercen su lado hacia otro Sol que les caliente.

-Tampoco quiero menospreciar el trato imponente que tenía hacia las mujeres. Ese tono despectivo, arrogante y de prepotencia, pero que marcó su vida, tanto dulce como amarga. Por así decirlo, como son las mujeres. Hablamos de Charles.

-Y para finalizar quiero evocar a Ford para hacer un paralelismo hacia la situación del momento en el que se refleja esta película. La necesidad de la introducción del concepto renovarse o morir, de la competencia y la falsa felicidad que aporta el dinero a una sociedad capitalista y si vamos más lejos, mercantilista.

Otros datos de interés

Orson WellesOrson Welles:

Con el Mercury Theatre, compañía que fundó en 1937, se hizo legendario por sus adaptaciones de Shakespeare y logró un año más tarde poner a los E.E.U.U. en caos con su interpretación radiofónica sobre la Guerra de los mundos. Fue contratado por la RKO que en un principio le dio todas las libertades que él quiso pero que después se vió coartado. Fue un auténtico genio y créo obras como:

-El cuarto mandamiento de 1942.

-The Stranger de 1946.

-La dama de Shangai de 1948.

-Macbeth también de 1948.

-Otelo de 1952.

-Mr. Arkadin de 1955.

-Sed de mal de 1958.

-El proceso de 1962.

-Campanadas a media noche de 1966.

-Una historia inmortal de 1967.

-Fraude de 1973.

-La década prodigiosa de 1971.

-Malpertuis de 1971.

Joseph CottenJoseph Cotten:

Murió en 1994 dejando una historia impecable en el cine como tras su debut en esta película, Ciudadano Kane. Era colaborador de Welles en el Mercury Theatre y estuvo dirigido por Hitchcock, Vidor, Cukor o Dieterle. En los 60 fue una guest star de la televisión y fue actor secundario en muchas películas entre otras la de El Tercer Hombre que ya os comentaba.

Pues yo tengo mi teoría sobre Rosebud. En realidad en la película se demuestra que nunca se llegó a saber aunque la única vez que sale en la película nieve, es al principio cuando él es pequeño y por lo tanto el pisapapeles de nieve parece que no es el nombre de una amante, ni de una mujer. Tiene que ser algo relacionado con su infancia pero ya sabéis que la interpretación es libre cuando el final queda completamente abierto a cualquier posibilidad.

Pues aquí finalizo la transmisión de este trailer.

The End


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Escrito por Ananke el 11/02/08

La Dama Halcón (LadyHawke) Pinche en el enlace para votar


PortadaLady Halcón es una de esas películas que nunca me canso de ver, aunque lo podría hacer con los ojos cerrados, como esa canción especial que nunca te cansas de escuchar o como ese libro que relees una y otra vez, por puro y simple placer. Sencillamente, me encanta, a pesar de que suelo preferir los finales trágicos.

La trama

Una pareja de amantes, Lady Isabeau d´Anjou (me pregunto porque es lady y no mademoiselle o madame con ese nombre, ay, esos americanos…) y el capitán Navarre, son condenados por el Obispo de Aquila, enfermo de celos, a permanecer eternamente juntos… pero siempre separados. Un amor eterno que no puede prosperar ni florecer porque por el día Isabeau se convierte en un halcón para recuperar en el ocaso su forma humana y el capitán Navarre se metamorfosea en un lobo durante las horas de la oscuridad, retornando a su forma humana durante el orto. De esta forma la maldición del obispo se cumple y los amantes cumplen solitariamente su maldición. Durante un tiempo llevé bastante mal que el personaje malvado de la película fuese un obispo… la Iglesia me da una urticaria tremenda.

Hasta que un muchacho llamado Philippe Gastón, apodado el ratón, un pícaro ladronzuelo, por esas casualidades que tiene el destino, se alía con ellos para hallar la forma de romper la maldición. Gracias a él descubrimos que Lady Isabeau es tan encantadora como podíamos suponer y que Navarre es todo un guerrero cínico, espartano y solitario como el lobo gris en el que se convierte ac noctem. Hay algo poético en a elección de esos animales, ¿no os parece?, como si los animales reflejaran la parte oculta de sus personalidades.

Y Philippe, el muchacho que los ayuda tiene en realidad alma de filósofo y de cómico sino fijaros en su diatriba al principio de la película cuando huye por el túnel… y en sus desavenencias con Navarre.

Cuando el halcón es herido por una flecha, Navarre y Philippe lo llevan hasta el solitario monasterio donde habita Imperius, monje que traicionó a la pareja de amantes y que ahora buscará la redención intentando deshacer el mal que desencadenó con su confesión al Obispo.

La terrible profecía del Obispo de Aquila los condena mientras el sol suceda a la luna pero Imperius descubre que en poco tiempo se producirá un eclipse, la única oportunidad que tendrán Isabeau y Navarre de romper la maldición. (y de paso aprovechar que a su enemigo le dé un ataque de apoplejía o algo semejante, que se lo merece por miembro de la alta curia eclesiástica lascivo).

Por otra parte…

No cabe duda de que el género fantástico ha dado mejores resultados en el cine que Lady Halcón pero no hay ninguna otra película como esta… la historia es tan encantadora, la atmósfera tan subyugante, que se le disculpan todos los fallos que pueda tener (y que los tiene, como podrá observar cualquiera que la vea) y después de todo a mí me siguen fascinando esas películas del género fantástico de los años ochenta como Legend, Willow o aquella tan estrambótica llamada Dentro del Laberinto en la que David Bowie hacía de rey brujo perverso. Puede que sea porque las vi por primera vez cuando era una cría y porque me traen buenos recuerdos de los sábados por la tarde.

Volviendo a Lady Halcón, hay escenas inolvidables, por ejemplo, cuando Lady Isabeau se transforma en halcón o esa momento en que rota la maldición ambos recuperan su forma humana y la libertada para amarse. A mí, Lady Isabeau y Navarre me siguen emocionando como protagonistas de un amor imposible como la maravillosa historia de Tristán e Isolda o de Otelo y Desdémona o la dulce Julieta aunque yo, según dicen, tengo menos romanticismo que una lata de sardinas. No puedo resistirme a comentar a aquellos y aquellas que sean unos románticos empedernidos que existe el Club de Julieta, cuya dirección en internet es esta. Para mí, lady halcón se trata de una de esas películas para disfrutar con toneladas de chocolate (si es negro, mucho mejor) porque las historias de amor (o de sexo, cuando se tercia) me abren el apetito de manera espantosa.

Afortunadamente, hay historias de amor eterno que no terminan en la tumba, aunque por suerte o por desgracia no tenemos la posibilidad de averiguar como contínuo la relación de los amantes una voz rota la maldición. Los científicos aseguran que el amor entre una pareja dura unos cuatro años, algo con lo que no estoy de acuerdo porque todo amor puede ser eterno si se cuida y la pasión también…¿habrían terminado Romeo y Julieta tirándose los trastos a la cabeza de no haber fallecido de una manera tan trágica? ¡Qué manía de marear la perdiz! Yo, por mi parte, me imagino que lady Isabeau y Navarre fueron todo lo felices que cualquier pareja humana puede ser porque a veces es necesario evadirse de la realidad y tener esperanza de que lo bueno puede durar para siempre.

Sí, como los diamantes.

Navarre

Sobre los actores:

Michelle Pfeiffer, nacida en california trabajó en una tienda de modas mientras estudiaba periodismo, carrera que abandonaría para dedicarse al mundo de la moda y llegó a tener un título de miss… pero aunque hay que reconocer que fue preciosa (y lo sigue siendo) posse un aspecto tan de niña buena, tan etéreo, que casi no me la puedo imaginar haciendo otra cosa que películas. En 1988 fue nominada al oscar por mejor actriz secundaria por su papel en las Amistades peligrosas y al principal por Los Fabulosos baker Boys, película por la que también ganó un Globo de Oro.

Rutger Hauer, nació en en Holanda, hijo de actores de teatro, donde daría sus primeros pasos en la profesión de actor. Quizá su papel más memorable o el que todo el mundo recuerda fue el que le dio Ridley Scott de Roy Batty en Blade Runner y en otras menos conocidas como Los Señores del Acero, en la que una joven Jennifer Jason Leight acababa seduciendo a su secuestrador y en otros títulos más actuales como La Tempestad o Sin City.

Matthew Broderick, que interpreta a Philippe es un actor neoyorkino que hemos tenido el placer de ver en una gran cantidad de películas desde Juegos de Guerra en 1983 a Un Vecino con Pocas Luces en 2007.

Leo Mckern, el Padre Imperius, nació en 1929 en Australia es un escelente actor que participó en películas como Un Hombre para la Eternidad, La Hija de Ryan, El Lago Azul, Las Sandalias del Pescador o La Profecía entre otros títulos.

Otros datos:

Richard DonnerDirección: Richard Donner, nacido en Nueva York en 1938, dirigió películas como La Profecía (1976), Supermán (1978), Arma Mortal (1987), entre otras.

Guión: Edward Khmara, además de Lady Halcón fue guionista de películas como Merlín (1998) y Enemigo Mío (1985).

Música: Andrew Powell, nació en Abril en 1849 y desde niño recibió lecciones de música: piano, percusión orquestral, violín y viola. Estudió en Alemania e Inglaterra. Fue miembro del grupo de música electrónica Intermodulation.

Fotografía: Vittorio Storaro, nacido en Roma en 1940 y es uno de los más insignes directores de fotografía de cine actual, como Apocalypse Now de Francis Ford Coppola, El Último Emperador, de Bertolucci, El último Tango en París, entre una larga lista de películas.

Año: 1985.

Duracción: 124 minutos.

Productora: 20th Century Fox/ Warner Bros.

Cartel


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Rita C. Rey. Ananke. ©

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Escrito por Ananke el 20/02/08

Las Cuatro Estaciones, de Vivaldi. Pinche en el enlace para votar


Antonio Vivaldi Antonio Vivaldi nació en Venecia, ciudad conocida también como La Serenissima, en 1678. De él se sabe que era un niño enfermizo, probablemente padecía asma o alguna afección de tipo cardíaco. Su padre fue panadero antes de hacerse violinista, (yo siempre he sabido que arte y gastronomía van unidos de una forma o de otra). Era pelirrojo y en Italia se lo conocía con el apodo de Il Petre rosi, porque en 1703 fue ordenado sacerdote y Maestro de violino dell ospedale della Pietá, un orfanato-escuela para muchachas de escasos recursos económicos. En poco tiempo Vivaldi obtuvo fama internacional como virtuoso del violín (se decía que algunos violinistas vendían su alma al Diablo como el loco de Paganini) y como compositor. Algunos críticos de Vivaldi decían que el veneciano siempre componía la misma obra). A partir del año 1718 ofreció una gira internacional por la península itálica, Viena y Praga. Se le considera el músico más influyente de su época.

A pesar de ser un hombre rico y admirado murió en la más pura indigencia y su obra sería casi olvidada hasta el siglo XX.

Música barroca:

La música barroca se desarrolla entre los siglos XVII y XVIII y al igual que otras manifestaciones del arte y de la literatura posee unas características especiales que lo diferencian del anterior período renacentista. El barroco es una época de crisis tanto económica como espiritual (debido al cisma eclesiástico entre protestantes y católicos) y política (Por ejemplo, en España el siglo XVII corresponde al reinado de los Austrias Menores). El arte barroco no copia la realidad sino que la exagera y la deforma, de una manera similar a la que haría mucho tiempo después Valle Inclán con el esperpento.

Períodos de la música barroca:

Barroco temprano (1580-1630): La música posee un valor efectivo y violento. Se busca la disonancia y comieza la diferenciación entre música vocal e instrumental.

Barroco Medio (1630-1680): Es la época de la ópera y de la cantata.

Último Barroco (1680-1750): En este período las formas adquieren unas dimensiones más largas y aparece el estilo concerto. La música instrumental domina claramente a la vocal.

Algunas características de la música barroca:

Independencia entre las Música vocal e instrumental.

Esplendor de la Música escénica: Ópera.

Aparición de la orquesta y perfeccionamiento de los grupos de cámara.

Supremacía de la Música profana sobre la Música religiosa.

El compositor practica todos o casi todos los géneros de la época.

Le Quattro Estaglioni

Las Cuatro Estaciones de Vivaldi fue la la primera composición de música culta que yo escuché de niña y a día de hoy me sigue hipnotizando tanto o más que en aquella lejana fecha. Hay una alegría, una vivacidad en el compositor italiano del siglo… que pocos otros han conseguido transmitir. De niña, en el colegio público al que iba jamás se me hubiera ocurrido confesar algo así porque entre mis compañeras, el summun de la buena música era escuchar a Camela y a Take That, dos grupos que jamás he podido soportar.

El siglo XVII fue una extraña mezcla de decadencia política y esplendor artístico, alguna vez leí en algún lugar que ahora mismo no recuerdo que al igual que los artistas o escritores suelen realizar su mejor obra en época de crisis personal, las naciones producen sus mejores obras cuando se hallan en crisis.

Las Cuatro Estaciones pertenecen a una serie de conciertos titulados: Il cimento dell´armonia e dell´inventione (la lucha entre la armonía y la razón).

Como todo concerto barroco, posee tres movimientos contrapuestos: allegro, lento, allegro.

Plantilla instrumental: solista.

Orquesta: violín I, violín II, viola, violonchelo y contrabajo.

La primavera de Botticelli

La Primavera. OP.8 nº 1. Concierto en mi mayor. RV 269 (11´16)

Allegro: (3´27)

Las Cuatro estaciones de Vivaldi, comienzan como es lógico y natural, con el despertar de la primavera. Vivaldi, casi con la presteza de un brujo, consigue transportarnos a esta época del año aunque nos encontremos en plena estación invernal. La naturaleza, es decir, la primavera, despierta del largo letargo invernal (ahora en pleno mes de febrero nos hallamos ya en primavera, ya han florecido las mimosas… maldito cambio climático, yo que soy una galaica amante de la lluvia) Los violines expresan la alegría por el nacimiento de la primavera y a mí se me suele venir a la cabeza, el nacimieto de la Primavera de Boticcelli, como es lógico y natural. Desde luego, muy apropiado. Se escucha el canto de los pajaros y posteriormente el murmullo de las fuentes, sonidos imitados por los violines con una presteza sin igual y. finalmente, estalla la tormenta primaveral interpretada por toda la orquesta con notas rápidas y vivaces. Vuelven a sonar los trinos de las aves, interpretados por el violín solista acompañado por el primero y segundo violines.

Largo e pianissimo sempre: (3´2)

Nos encontramos inmersos en la calma y la paz de la primavera. Todo es calma, quietud y reposo, sin la pesadez de los días estivales, por un instante da la sensación de que el mundo puede ser un paraíso…

Allegro: (4´28)

Una danza pastoril, una deliciosa melodía interpretada por los violines acompañados por las violas y bajos…

Van Gogh

El verano.OP nº2. Cocierto en sol menor.RV 315 (10´50)

Allegro non molto: (2´50)

La melodía nos muestra el agotamiento a causa del calor estival, esos días en los que la ropa te molesta y te roza a causa del calor insoportable y que una no tiene fuerzas ni para espantar las moscas, que no tienen nada mejor que intertar chupar la sangre como diminutos vampiros cuando no están inmersas en su danza aérea. Hay días de verano en los que nada se mueve, ni siquiera las hojas de los árboles… El violín solista interpreta el canto del cuco, ese pájaro que deja sus huevos en los nidos de otras aves para que se los críen en una muestra de los mejores engaños de la Madre Naturaleza, seguido del canto de la tórtola y del jilguero. La orquesta interpreta al viento del estío, el dulce, céfiro, el viento del oeste que anunciaba la llegada de la primavera y que vivía en una cueva de Tracia según los antiguos habitantes de la Hélade. El solista interpreta el lamento del joven campesino.

Adagio: (2´16)

Ya he comentado en el apartado interior que pocas cosas hay tan molestas como esas moscas que en verano parecen no tener nada mejor que hacer que fastidiarnos o zumbar a nuestro alrededor, interrumpiendo el sosiego veraniego.

Presto: (2´46)

La orquesta y el solista interpretan una tormenta estival. No cabe duda que es el único fin posible a tanto bochorno, a tanta quietud… aunque las tormentas veraniegas suelen ir acompañadas en ocasiones de muchos rayos y de poca lluvia, causando muchos incendios.

Otoño

El Otoño.OP nº3. Concierto en fa mayor. RV293 (11´26)

Allegro: (5´26)

El otoño es la época del año que más me atrae, supongo que es porque se trata de una estación intermedia entre el calor del verano y el frío del invierno y porque me encantan las tonalidades rojizas y ocres de los árboles justo antes de caer porque me recuerdan a un paisaje impresionista y los cucuruchos de papel de periódico rebosantes de castañas asadas. El otoño es la estación de la cosecha y Vivaldi lo abre con el baile y el canto de los campesinos interpretado por la orquesta. Y como en toda fiesta que se precie, no puede faltar el que se ha embriagado más que los demás, interpretado por el violín solista. Como es natural y suele suceder, el borracho termina profundamente dormido.

Adagio molto: (3´32)

Tras una buena fiesta y una buena borrachera lo normal es dormirse hasta que la santa resaca lo permita. Los violines transmiten la calma absoluta que queda después de una celebración.

Allegro: (3´32)

La cacería otoñal es el tema principal interpretado por la orquesta. No es algo que a mí me entusiame, pero suelo pensar en cacerías antiguas… La fiera, interpreta por el violín solista, huye… se oyen las escopetas y los ladridos de los perros de caza y aunque me pongo de su parte, conozco su trágico sino, finalmente, la fiera muere y se convierte en el trofeo del cazador.

A. Sisley

El Invierno. OP nº4 Concierto en fa menor.RV 297 (9´00)

Allegro non molto: (3´24)

De las Cuatro Estaciones de Vivaldi está es mi parte preferida… sencillamente, me encanta.

De las cuatro estaciones de Vivaldi, el invierno es mi parte preferida. La orquesta nos seduce interpretando el frío temblor de una persona en la nieve helada. Luego, el violín solista anuncia la terrible e inminente llegada de la tormenta terrible, interpretada por la orquesta. La orquesta interpreta como la persona corre por la nieve y golpea con los pies el suelo para no helarse a causa del frío… la parte menos romántica y apetecible del invierno, cuando hace tanto frío que la orejas se ponen rojas como tomates. La persona comienza a tiritar de puro frío y le chasquean los dientes, lo interpreta el violín solista, lo cual es lógico porque acaba de pasar por una tormenta de nieve y debe de hallarse en forma de estatua de hielo… Brrr, con lo friolera que soy yo, que llevo una chaqueta hasta en verano.

Largo: (2´15)

Día invernal lluvioso y frío… esos días en los que el colmo del placer es quedarse en casa para disfrutar de una taza de chocolate caliente escuchando el repiqueteo de la lluvia, sonido interpretado por los violines en pizzicatto… Para mí es la parte más perfecta y subilme de esta composición musical.

Allegro: (3´16)

En la última parte de esta composición musical escuchamos al violín solista interpretando a una persona caminando por el hielo, con suma prudencia hasta que cae a tierra. Posteriormente, emprende una enérgica carrera, pues en ocasiones la única manera de mantenerse con vida en el crudo invierno es moverse para no morir a causa de la congelación. Llega el siroco, un viento proveniente de África que puede llegar a alcanzar casi categoría de huracán en el Norte de África y en el sur de Europa. Lo sucede el viento nórdico y los demás vientos…


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